使用现在的DAWs进行编曲，你几乎可以毫无限制地自由创作。这8条给音乐制作人的编曲小建议，不管是小白还是老手都建议看看！让你避免一些错误，获得更好的编曲的可能性。
编曲本身就是一门艺术。对于艺人与音乐制作人来说，编曲中可以选择的方向是无止境的。就算是那些入门已久的从业人员也在不断地寻找编曲新的可能性。本着这种精神，这里我们提供8个快速的小建议，有的是值得思考的地方，有的是编曲中值得大家注意去避免的地方。
1. 做出选择
在最初的录制和尝试当中，我们常常会获得许多的素材和录音，但是这并不意味着你需要把他们全部都用到最终的编曲里面。通常来说，音乐通常是由制作人和艺人挑选出来最合适相性最好的素材有机地组合和编排得到的结果，而不是强行把所有录制的素材和表演的简单堆砌。
这还意味着也许需要放弃使用一些非常棒的演奏素材或者一些特别酷的声音，这在参与者比较多的情况下会变得比较复杂（放弃使用其中一些素材可能会让乐队成员或者合作者失望）。就算是特别棒的演奏，如果不能符合项目的方向，强扭的瓜不甜，还不如放弃使用。好东西总会发光，当前项目不合适的东西也许可以放到以后的项目去使用。
2. 乐器组合
当艺人和音乐制作人在特定项目中制作一系列曲子，也许会要求整个项目中的乐器音色保持一致，但是引入一些细微的变化和音色的变化通常是可行的，也是非常必要的。这种变化并不是说要把吉他和合成器全部换成弦乐四重奏，只是简单的调整或者增加一两轨音色即可。
就算是很细微的变化也很有用——比如，把其中一些木吉他换成曼陀铃或者类似的乐器；尝试使用大贝斯替代电贝斯；用Rhodes或者Wurlizer代替钢琴等等。这种音色上的变化，能让听众在不同的曲子中获得音色上的新鲜感，甚至在同一首曲子的不同段落也可以用这种方法来让听众保持新鲜感。
3. 不要抢过主音
就算是混音初学者都知道把主唱的声音突出，同样的概念也可以应用在歌曲的编排上。保持其他乐器部分不盖过主声部分的旋律和歌词是非常重要的，尤其当这段旋律是这首歌的最主要部分的情况下。有些时候某些部分即便音量上没有问题，也有可能会造成同样的问题。
本该作为伴奏的吉他riff可能会有一两个音跟主声打架，有可能是音高上的问题（比如一些单独听起来没有问题的经过音，可能跟主唱旋律放到一起就会是一个不协和的音程）或者节奏上的问题（某些切分音跟主旋律的节奏就是不能合到一起）。有时候制作人会更加关注主声部分，而忽略了这些细小的问题，所以在制作中，制作人应该不时换一个角度，用新鲜的听觉，去听听主声与伴奏之间的配合与反应是非常重要的。
4. 委托他人
许多独立音乐制作人和艺人需要一个人完成录音室里的所有工作，但是无论何时，将制作中的某些部分委托给其他人都是个不错的选择，他们能带来不一样的新鲜角度。一个有天赋的多乐器演奏者也许可以完成编曲中所有部分的录音，但是这并不意味着让其他人来参与歌曲制作就没有其他好处，也许可以让别人来尝试录制其中的一些部分。乐手很容易会养成一些自己的演奏习惯，加入一两轨其他人的演奏录音可以带来一些不错的变化。
5. Double！
这里说的doubling并不是指混音中常用的doubling录音技巧（某些部分演奏两遍或者复制其中一边加入一些延迟），我指的是更传统意义上的，或者说标配上的doubling-用两种不同的乐器来演奏相同音高的乐句。在管弦乐编配中，这是长时间里被广泛用来给固定的管弦乐编制里加入新的音响效果的方法-当两种不同的乐器演奏同一个音高的乐句的时候，他们的声音和泛音会融合与相互影响，制造出两种乐器单独演奏时无法获得的全新音响效果（比如，长笛和双簧管，吉他和钢琴等等）。再加上演奏中无可避免的音高和时值的细微差别，你可以得到色彩更加丰富的音色选择，而不用过分在意特定的乐器编制。
6. 能伸能缩
许多编曲都从简单的配置开始，然后不断地加入元素增加音乐上的紧张度—毋庸置疑，在特定的音乐风格中，这是一种非常有效的编曲方式，可以很好地调动和吸引听众在听一首曲子时的兴趣和情绪。但是有许多人在使用这种技巧的时候，情绪上升的速度过快，没有留下后续的编曲的余地（从音乐的紧张度来说），造成后续编曲重复，结构过于平缓地结束。
歌手常常会这样（尤其是在合唱比赛节目中），在旋律远远没有起来的时候，突然进入情绪加入一些突然的高音，听众这时候往往没有做好准备。编曲也很容易受到影响。某一轨通常会弱起（比如说吉他，键盘或者别的乐器）接着乐队才会一起进来，但是如果乐队在第一遍副歌的时候就一起强起，那么接下来的两遍或者三遍副歌可能就达不到这样的效果，反而会造成重复和反效果。在这种情况下，一种比较好的解决办法是在第一次副歌的时候做一个能量的区分，整个乐队进入，但不是加入所有的能量，然后下一次副歌加入稍微加强的声音和额外的节奏，将最大的能量留到bridge和solo部分，当然最后不要忘记给最后一次副歌和结尾留下余地。
7. Comp！
在现在的音乐工作室中，comping是一种很常用的编曲技巧，录制很多相同的音轨，然后将最好的几遍剪辑组合到一起，得到最终的音轨。对于任何乐器都可以采用这种方法，但是最常用还是人声。但是，现代音乐工作室有许许多多的工具可以用来获得完美的表演（在这里特指人声录制），但是需要适可而止，滥用工具并不是一件好事—comping技巧也是这样一种工具。
有的音乐制作人，为了完美的人声表演，不单单剪辑不同的乐句和分段，甚至会剪辑更小的单词、咬字甚至某些元音。这样在技术上确实可以得到完美的人声录音，但是这样的过程中会损失不少音乐性和个性。许多人声录音，在演出上有连贯的整体性，包括歌手的音色、声音的紧张度、气息以及对于歌词的处理和配合歌曲的动态。但是很少有歌手能在每一遍录音中能有完全相同的呈现，他们的演出通常会随着录音的进程逐渐提高和产生变化。
如果comping剪辑到非常细微的句子单词，那么就会损失掉本来完整乐句录制时的完整性以及音乐性上的动态，得到的是技术上完全没有错误的音轨。另一种方式是更谨慎地进行comping，首先找到录制的最好的一遍，然后通过comping来修正小问题和提升某些乐句的演出，只替换长条的乐句，保持原有乐句的音乐性，只修改某些单词的不得不改的错误，保持原有乐句的特性。
8.保留演奏中的“人性”
与上一条建议提到的（comping），有时候避免过分的“完美”反而更好。当然，这条建议可能需要根据音乐风格而定；有一些风格的音乐需要节奏上的完美（比如舞曲等等），100%的量化节奏是这种风格决定的，其他的工具，比如音高修正（Auto-Tune），这种工具带来的完美音高，也许会故意用来制造某些效果。
但是对于其他很多的音乐风格来说，尤其是那些经常用于现场演出的音乐， 最好保留一些“不完美”在里头，这样可以保留演奏者的独立性而不是把所有东西都修成一样。部分量化（少于100%的时值量化）以及某些短句上的音高修正可以保留许多人为的“不完美”，听起来更真实。
总结一下，在编曲中，常常需要回头考虑一些其他的替代方法或者选择其他工具，希望这些建议能够派上用场。
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